De beste filmscènes van 2019 tot nu toe

Door Amy Roberts/30 juli 2019 16:05 EDT

Het beste van alles is altijd subjectief. Het afval van de een is immers de schat van de ander. Het geldt voor zowat elke vorm van entertainment, en vooral voor filmscènes. Hoewel het logisch kan zijn dat de beste filmscènes van het jaar zullen komen van wat het publiek over het algemeen als de beste films van het jaar beschouwt, is het ook waar dat de beste scènes soms afkomstig zijn van films die op geen enkele manier opvallen, maar die uitblonk in een of twee momenten die overal de aandacht van het publiek trokken.

De beste filmscènes zijn vaak degenen die nieuwsgierig zijn en debatteren of een publiek verenigen in complete en totale horror, hilariteit, verwarring, triomf of walging. Ze kunnen perfect terechtkomen in reeds bestaande gesprekken over de popcultuur of de samenleving zelf - maar het belangrijkste is dat het ook scènes zijn die gewoon zo kickass mogelijk zijn.

Met dat in gedachten zijn dit tot nu toe de beste filmscènes van 2019. Ja, er zullen spoilers zijn.

Zelfbeoordeling van Captain America in Avengers: Endgame

Om de ware grootsheid van deAvengers: Endgame scène waarin Captain America (Chris Evans) van 2012 het opneemt tegen Captain America van 2023, moet je eerst de opmerking van Scott Lang (Paul Rudd) eerder in de film waarderen dat de patriottische held 'America's ass' heeft - een waarneming waar zelfs de meest fervente heteroseksuele mannen het waarschijnlijk niet mee oneens zouden zijn.

De technische prestatie van Captain America die tegen zichzelf vecht is op zichzelf al indrukwekkend. Een combinatie van een aantal serieus indrukwekkende visuele effecten, slimme belichting en onberispelijke choreografie van de acteur en zijn stuntdubbels maken de scène volkomen naadloos, waardoor er ruimte overblijft voor alle grappige komische beats die opduiken.

Het resultaat is een gedenkwaardige scène die fanservice betaalt zonder van de plot af te wijken. Uiteindelijk is het ook een scène die een hartelijk eerbetoon is aan een personage dat rond de finale komt. Maar het is het laatste moment dat de grootste winst oplevert - en mogelijk het grappigste moment in het geheel MCU. Na zijn zelf in 2012 te hebben verslagen, neemt Captain America even de tijd om zichzelf te bekijken (zoals je zou doen) voordat hij zegt: 'Dat is Amerika's kont! '

Als de Academie tijdens de Oscars van dit jaar geen hele nieuwe America's Ass-categorie uitvindt waarmee Evans de trofee krijgt die hij van harte verdient, dan is er in deze wereld gewoon geen recht.

Tree sterft haar beste sterfgevallen in Happy Death Day 2U

De Happy Death Day vervolg mag dan meer een scifi-route lopen dan het horrorpad van de eerste film, maar het verliest nooit zijn campy, macabere gevoel voor humor. Deze keer wordt Tree wakker in een alternatieve realiteit waarin haar moeder nog leeft, haar vriend met haar frenemy aan het daten is en ze opnieuw vastzit in een tijdlus die elke keer dat ze sterft, wordt gereset.

Halverwege de film ontdekken Tree en haar bende vertrouwde wetenschappelijke nerds dat ze misschien de tijdlus kunnen repareren, maar dat ze ook wat tijd moeten kopen om hun theorieën te testen en erachter te komen. Helaas voor Tree betekent dit dat ze een menselijk verslag van hun werk moet zijn, en ze moet ook herhaaldelijk zelfmoord plegen, zodat ze de tijdlijn kunnen blijven resetten. De resulterende montage, perfect passend bij het vrolijke overlevingslied van Paramore 'Moeilijke tijden'Is een meesterlijke reeks donkere humor die Tree een grimmig gevoel van autoriteit geeft over haar leven en dood.

Goofy maar zelfbewust, de scène toont een relatief bloederige reeks van griezelige sterfgevallen met houtversnipperaars, afvoerreiniger en elektrocutie. Maar het mooiste is dat Tree in haar ondergoed uit een vliegtuig valt en de vierde muur breekt om het publiek omver te werpen voordat ze vlak voor haar vriend en zijn huidige vriendin op de grond explodeert. Het is heel leuk.

Billy zet zijn gezin aan de gang in Shazam!

Shazam! Is gemakkelijk een van de beste films van het jaar tot nu toe en ook de meest onverwacht briljante. Als we allemaal eerlijk zijn, had iemand dan echt verwacht dat deze film het uitzonderlijk slimme, geestige en ontroerende genot zou zijn dat het bleek te zijn? Waarschijnlijk niet.

De film toont zijn grootste hand tijdens de climax, waar Billy de eigenwijze schurk Dr. Sivana te slim af is door zijn pleegbroers en -zussen aan te moedigen om de betoverde scepter van Shazam uit te reiken, zodat ze zijn macht met hen kunnen delen. De kinderen, die allemaal op hun eigen manier heerlijk excentriek zijn, worden getransformeerd in volwassen superhelden die hun nieuwe broer kunnen helpen de dag te redden.

Het is een rumoerig moment dat de kernthema's van de film verbindt die draaien om het belang van familie, maar ook de waarde van onconventionele familieopstellingen. En de familie Shazam, die als volwassen superhelden door de lucht vliegt en samenwerkt om een ​​bevredigende beat neer te zetten, is ongeveer net zo onconventioneel als ze komen.

De ballistische confrontatie aan het einde van Us

Het kroonjuweel van een film vol opvallende scènes, Lupita Nyong'o geeft een ongelooflijke dubbele prestatie in deze laatste confrontatie tussen dubbelgangers Adelaide en Red inOns. Gevestigd in de ondergrondse wereld van de Tethered en gescoord door de 'Tethered Remix'van Luniz's' I Got 5 On It ', de scène (die was gefilmd in slechts twee dagen) is een meesterwerk van perfecte pacing, toon en choreografie.

Laat Adelaide en Red voor de laatste keer tegenover elkaar staan, afgewisseld met sequenties van de twee die een balletrecital delen dat zich splitst tussen de wereld hierboven en de wereld beneden, regisseur Jordan Peele bezorgt de sequentie een versplinterd ritme dat de spanning echt opvoert.

Het is een vechtpartij die benadrukt wat er op het spel staat: de wens om te genieten van vrije wil in de veel leukere wereld boven de grond en de mogelijkheid voor een gelukkig leven met een liefdevol gezin. Maar het dient ook de bomlanding van de laatste wending die Peele duivels inwerpt tijdens de sluitingsscènes van de film: Adelaide en Red wisselden van plaats toen ze kinderen waren, en de vrouw waar we al die tijd naar juichten, was misschien wel de slechterik. Het is op zijn zachtst gezegd zenuwslopend.

De korte liefdesscène van Long Short

Historisch gezien is cinema niet altijd de meest nauwkeurige geweest als het gaat om het weergeven van seks zoals de gemiddelde lage sterveling het heeft. In plaats van het soms grove, vaak onhandige en af ​​en toe te tonen heel kort aspecten van twee mensen die het krijgen, films richten zich in plaats daarvan op epische, perfecte, showstoppende seks.

Dat is wat de abrupte seksscène maakt tussen de hipsterjournalist van Seth Rogen en de presidentskandidaat van Charlize Theron in politieke rom-com Wilde gok des te intrigerend. Het duurt ongeveer tien seconden en op de een of andere manier zijn beide partijen tevreden aan het einde ervan - niet alleen de gast. De scène trok onmiddellijke woede van sommige vrouwen die begrijpelijkerwijs gefrustreerd waren door de afbeelding van een vrouw die zo gemakkelijk een climax bereikte.

Dat is echter ook een deel van de kracht van de scène: het is onverwacht, een beetje onhandig en heerlijk onvolmaakt. Cruciaal is dat de vreemdheid van het moment niet wordt aangepakt, waarbij beide personages onmiddellijk de zeldzaamheid van zo'n snelle voldoening bespreken. Daarbij geeft de scène een kort maar welkomcommentaar op Hollywood-clichés van ogenschijnlijk supergemakkelijk opgewekte vrouwelijke personages.

Maar misschien wel het meest interessant is waarom de scène misschien zo kort was. Theron heeft gezegd dat een van de redenen is waarom ze gewoon 'moe die dag'en' wilden niet al het werk doen. ' Wat, zoals Rogen heeft gereageerd, veel lijkt op echte seks.

Keanu Reeves als zichzelf in Always Be My Maybe

2019 is officieel het jaar van Keanu Reeves en het heeft lang geduurd voordat critici en publiek eindelijk de notoir privéacteur verenigden als een zeldzaam en legitiem merk van ster (en schijnbaar erg aardige man), zowel op het scherm als daarbuiten.

Het is een idee dat de Netflix Original rom-com Wees altijd mijn misschien zet zich met trots in het middelpunt voordat hij Reeves 'geliefde status deconstrueert voor een enorme lach. De scène is perfect opgezet, met Sasha (co-schrijver Ali Wong) wachtend op haar mysterieuze nieuwe vriendje terwijl ze op een dubbele date is met de oude vonk Marcus (Randall Park), die duidelijk al nerveus is over het ontmoeten van de man die nu een relatie heeft met de liefde van zijn leven.

Wanneer Reeves eindelijk binnenkomt, geeft regisseur Nahnatchka Khan het bombshell-moment de gravitas en het drama dat het verdient. De acteur glijdt in slow motion door het restaurant en brengt het hele gewricht tot stilstand. Het is begrijpelijk dat Marcus met afschuw vervuld is.

Het is een komische parel van een scène waarin Reeves een uitzinnige versie van zichzelf weergeeft: opgefokt, geil als de hel en vol afgezaagde pogingen tot aangrijpende filosofieën als: 'De enige sterren die ertoe doen, zijn degene die je bekijkt als je droomt. ' De scène is zo perfect uitgevoerd en getimed, dat deze Keanussance-tijdgeest precies op het juiste moment wordt geraakt, dat het de rest van de film praktisch overspoelt.

Fyre onthult een verontrustend betalingsplan voor water

Als langverwachte rijke-kinderen-hebben-een-slechte-tijd-documentaire jongens, In première op Netflix, produceerden mensen over het internet een gezamenlijke kaak van memes verbijsterd over de onthullingen van Andy King, de lankmoedige evenementenplanner van de belachelijk gedoemde Fyre Festival.

De film is een smakeloze maar boeiende glimp van wat er gebeurt als een grootschalig luxe festival alleen oppervlakkige planning krijgt en geen redelijke logistiek om het echt te laten gebeuren. Het is dus ongelooflijk, maar pijnlijk plausibel, wanneer King halverwege onthult dat Fyre Festival-oprichter Billy McFarland hem vroeg 'één groot ding voor het team te nemen' (en het is nogal letterlijk groot ding) om drinkwater door de douane te krijgen.

Maar het is niet alleen het lef van McFarland om een ​​homoseksueel lid van zijn staf te vragen een seksuele daad uit te voeren op een man die een online gesprek blijft oproepen. Het is ook King's toegewijde acceptatie dat hij gewoon moest doen wat McFarland zei om het festival te redden. 'Kun je je voorstellen?' hij vraagt. 'In mijn dertigjarige carrière was dit wat ik wilde doen. '

Het is begrijpelijk dat King de filmmakers eigenlijk verzocht om de anekdote uit de documentaire te verwijderen, maar dat was het wel blijkbaar verteld door regisseur Chris Smith: 'Zonder die scène is er geen documentaire.' Smith had het niet mis. Het verontrustende moment is de spil van het hele schokkende debacle, en is helaas representatief voor een gig-cultuureconomie waar werknemers constant worden gevraagd om hun best te doen voor hun werk.

Stan Lee's ontroerende Captain Marvel-cameo

De eerbetoon waren terecht eindeloos toen de striplegende Stan Lee stierf op 95-jarige leeftijd in november 2018. Naast het helpen creëren van enkele van de meest gerespecteerde striphelden aller tijden, blijft Lee een gerespecteerd popcultuurpictogram - een wiens status als legende herhaaldelijk werd verdedigd in alle cameeën hij deed binnen het Marvel Cinematic Universe.

Dat is wat zijn cameo maakt Kapitein Marvel zo verdomd emotioneel. Als je niet minstens één traan in de bioscoop hebt veroorzaakt over zijn uiterlijk, en Carol Danvers '(Brie Larson) wetende glimlach in zijn richting, dan ben je misschien gewoon dood van binnen.

De scène speelt zich af in 1995 en laat Lee het script lezen voor Mallrats, een film waar hij ook van genoot in een korte cameo tijdens een scène tegenover Jason Lee. Het bleek dat niet alleen het publiek tijdens de scène een brok in hun keel kreeg. Mallrats filmmaker en stripliefhebber Kevin Smith bekende dat hij 'een blubberige puinhoop'na het te hebben bekeken.

Het hebben van Lee cameo als zichzelf in de scene is een liefdevol en uniek eerbetoon aan de man aan wie de popcultuur zoveel te danken heeft. Maar het benadrukt ook een van de grootste aspecten van veel van de recente films van de MCU: hun vermogen om zelfbewust te zijn en emotioneel verschroeiende momenten te bieden die positief blijven bij fans.

Het rommelige mesgevecht in John Wick: Hoofdstuk 3

Laten we eerlijk zijn.John Wick: Hoofdstuk 3 - Parabellum bulkt van de waanzinnige decorstukken en scènes die op deze lijst zouden kunnen en moeten staan. Tussen Wick die de hulp van een paard inroept en een aantal speciaal opgeleide honden om de grootschalige aanslag op de Continental - eerlijk gezegd hebben we keuze te over. Maar het lukrake mesgevecht dat plaatsvindt in de antiekwinkel is van een heel ander niveau.

Regisseur Chad Stahelski, een grote fan van Sergio Leone, heeft verklaard dat de scène 'een directe ode is aan De goede de slechte en de lelijke, 'met Wick op zoek naar een antiek wapen dat hij kan samenstellen om zijn aanvallers af te weren. In de chaos van het vinden en bouwen van het wapen, vindt Wick echter een onhandig realistisch mesgevecht dat neerkomt op weinig meer dan een stel kerels die scherpe voorwerpen naar elkaar slingeren en er niet in slagen de meeste ervan daadwerkelijk te laten plakken.

'Het is gewoon de realiteit. Iedereen heeft een mes gegooid en het zit niet vast en stuitert weer terug ', vertelde Stahelski Veelhoek. 'We hebben al deze sluipmoordenaars die messen gooien en er blijft niets steken en één steekt hier in en die niet ... We dachten gewoon dat het hilarisch zou zijn'. Het resultaat is een bijna perfecte actiereeks met choreografie die even goed is voor spanning als voor komedie.

Charlotte en Lizzie nemen wraak in The Perfection

De afgelopen jaren is er een nieuwe oogst van wraakfilms voor vrouwen geweest, zoals MFA, Koude hel, en Wraak brengt het versleten genre naar een modern publiek. Hoewel ze briljant zijn, dagen deze films niet bepaald de formule van hun voorgangers uit. Voer Richard Shepard's in De perfectie, een film met zo'n wending in de wraakfilm, zo gewelddadig onverwacht dat het legitiem is maakte het publiek ziek.

Een van de manieren waarop de film uitblinkt, is door het publiek kosteloze scènes te besparen van de acts waarvoor de vrouwelijke hoofdrolspelers wraak zoeken. In feite wordt de film pas echt een verhaal over verkrachtingswraak in de laatste act van de film, waarin Lizzie (Logan Browning) en Charlotte (Allison Williams) hun trouw tonen nadat ze minnaars zijn geworden en vervolgens vijanden, na hun aanvankelijke professionele rivaliteit.

Beïnvloed door exploitatiefilms en het werk van Park Chan-Wook, de scène waarin Lizzie en Charlotte samenwerken om seksueel beledigende muziekmentor Anton (en de rest van zijn woeste team) te vermoorden, is een symfonie van gewelddadige vergelding vol met wendingen en verrassingen. Dat brengt ons allemaal bij het laatste shot van de film: een epiloog waarin Charlotte en Lizzie samen de ene cello spelen terwijl Anton - nu ledeloos, met gesloten ogen en mond gedwongen wordt te luisteren in een roerloze stilte. Is het belachelijk? Ja. Maar is het ook waanzinnig, pervers bevredigend? Zeker weten!

Hoboman vermoordt zijn grootste criticus in Velvet Buzzsaw

Dan Gilroy's scherpe kunstwereldsatire verdeeld kritische en publieksconsensus vanwege de gewaagde mix van campy horror, onopvallende symboliek en landschap-kauwende optredens van de film. Hoe dan ook, het blijft een unieke film die geliefd is bij degenen die zulke dingen waarderen. Met een verhaal dat sommigen nauwgezet volgt letterlijk moordende kunstwerken en een stel pretentieuze bruut uit de kunstindustrie die vervolgens worden vermoord door de werken die ze in hun kritiek aan flarden scheuren, Fluwelen Buzzsaw staat vol met uitspraken over de gevaren van het terugbrengen van kunst tot handelswaar.

Er is geen moment waarop dit idee helderder straalt dan het idee waarin de woeste kunstcriticus Morf (Jake Gyllenhaal, in topvorm) op brute wijze wordt achtervolgd en gedood door een kunstwerk genaamd Hoboman, een stuk dat het gebrek aan waarde hecht aan het menselijk leven. De scène doordrenken met heerlijke spikkels van ironie is het feit dat dit precies hetzelfde kunstwerk is dat Morf aan het begin van de film waardeloos maakt wanneer hij er kritiek op heeft die het stuk voor onbepaalde tijd opslaat.

Kijken naar Hoboman trap en Morf in een vroeg graf snappen zorgt voor een heerlijke poëtische gerechtigheid in een tijd waarin de rol van kunst (en de critici die het kunnen doden) een hot gespreksonderwerp blijft.

Christian's verontrustende seksscène in Midsommar

Niemand verwachtte dat Ari Aster zelfs maar een bolletje goede tijden zou serveren na tien bolletjes totale nachtmerries met zijn debuuthorrorhit Erfelijk. En hoewel het nauwelijks de Zweedse vakantie van National Lampoon is, Midzomer brengt op de een of andere manier een continu gevoel van angst in evenwicht met een echt duistere komedie.

Het is een facet dat goed tot zijn recht komt tijdens het keerpunt in de derde akte van de film, wanneer Christian (Jack Reynor), de slechtste vriend van het jaar, gedrogeerd en gedwongen wordt om seks te hebben met een vrouw die niet zijn vriendin is, Dani ( Florence Pugh). Om het voor iedereen nog ongemakkelijker te maken, is er ook een stel oudere, naakte vrouwen die Christian naar de voltooiing begeleiden omdat, nou ...waarom niet?

De scène speelt zich af als de wrange punchline van een perfect vormgegeven grap. Het is de merkwaardig onvermijdelijke conclusie van verschillende verhaallijnen, waaronder Christian die een liefdesbetoveringstaart eet die is gebakken met één verontrustend ingrediënt en Dani die vanaf de allereerste scène van de film weet dat haar vriend haar zal verlaten - een feit dat des te verwoestender werd als ze hem vangt in de handeling met de helft van de bevolking van de stad.

Het zorgt voor een duidelijk desoriënterende publiekservaring waarbij de kijker niet zeker weet of hij moet lachen of hurken. Hoewel er duidelijk krachtigere en gruwelijkere scènes in zitten Midzomer, dit is degene die de flair van Aster het beste laat zien om de verwachtingen van het publiek op de meest verrassende, verpletterende manier mogelijk te ondermijnen.

Arthur's overwinningsdans in Joker

De dans van vrijheid. De doodsklokken. De onmiddellijke virale sensatie van Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) die een eenmansbult schudt en een reeks trappen afloopt naar 'Rock and Roll Part 2'. Todd Phillips ' Joker is een van de meest besproken (en verdeeldheidwekkende) films van het jaar. En hoewel er veel scènes in de film zijn die ongemakkelijker of thematisch belangrijker zijn, is het het beeld van Fleck dat overwinnend zijn afdaling naar gewelddadige heerschappij viert en dat meteen iconisch is geworden.

Het is begrijpelijk dat het een instant meme werd, vermengd met alles van Peppa Pig naar The Simpsons, waardoor het een krachtige culturele valuta wordt. De op Bronx gebaseerde stappen waar de scène werd opgenomen, werden zelfs overspoeld door toeristen 's nachts, enthousiast om zichzelf in soortgelijke poses vast te klikken. Sommigen van hen hadden de film nog niet eens gezien, maar begrepen de rijke Instagrammable waarde ervan.

Ongeacht of dit de beste scène is Joker, vat het moment perfect zoveel van het hartelijke debat over het polariserende karakter van de film samen. Voor sommigen is Flecks jive van gekmakende emancipatie uit een wereld die hem heeft misbruikt en in de steek heeft gelaten het bewijs van Jokeris vaak woordeloze schittering. Voor de nee-zeggers is het een bewijs van wat ze geloven dat het is een oefening in lugubere oppervlakkigheid- een die weinig diepgang biedt in het gesprek over verontrustende huidige sociale gevaren. Wat je mening erover ook is, het is waarschijnlijk dat we er nog een tijdje over zullen praten.

Tarantino corrigeert de geschiedenis in Once Upon in Hollywood

Het is precies zoals Anton Tsjechov ooit zei: als je in de eerste akte van je verhaal een vlammende vlammenwerper krijgt, kun je die slechte jongen maar beter naar de Manson Family door de laatste akte. Quentin Tarantino doet precies dat in de zeer bevredigende ontknoping van zijn revisionistische periode-film, die ziet Sharon Tate (Margot Robbie) ontsnapt aan haar beruchte gruwelijke lot in de echte wereld, terwijl Hollywoods bros-for-life Cliff Booth (Brad Pitt) en Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) gehakt maken van de losgeslagen posse van Charles Manson.

Het aanbieden van een fantasie van bloedvergieten die sterk afhankelijk is van de grimmige subtekst van de moord op Tate om opgetogenheid en gelach uit het publiek te halen, waadt Tarantino zich in absurdistisch gebied door Booth te laten zien dat hij zijn stuntmanvaardigheden inzet om een ​​echt geweld uit te voeren tegen een aantal zeer slechte mensen. Schedels worden verbrijzeld, blikken voor hondenvoer worden raketten en er is een gruwelijke slapstick in overvloed. Ondertussen drijft een verspilde Dalton in zijn zwembad met een gigantische koptelefoon, zich onwetend onbewust van het geweld in zijn eigen huis.

Tarantino is herhaaldelijk ondervraagd over zijn standpunt of geweld op het scherm beïnvloedt echt geweld, en is onveranderd gebleven in zijn mening dat 'real-life geweld is real-life geweld. Films zijn films. ' Er was eens in Hollywood, en met name de spetterende finale, is misschien wel zijn meest gewaagde verklaring erover, waarbij twee personages die met fictief geweld werken in een moment van echt trauma terechtkomen. En daarmee biedt de filmmaker een correctief sprookjesachtig einde voor een gruwelijk, historisch bloedbad.

Usher raakt de club in Hustlers

Lorene Scafaria's misdaadfilm Hustlers is misschien wel een van de meest onverwacht briljante studies van de beurscrash van 2008 op film. Na een groep strippers die duizenden dollars stelen van vermogende mannen na de crash, steekt hun bedrijf een kolossale deuk in, Hustlers geeft een scherp onderscheid tussen het Amerikaanse hedonisme vóór 2008 en de hardnekkige recessie die daarop volgde. Ter herinnering aan het laatste geweldige moment van de stripclub (en mogelijk zelfs Amerika) waar zij en haar meisjes werkten voorafgaand aan de crash, beschrijft Destiny (Constance Wu) de avond dat Usher kwam feesten, en de resulterende scène is een weelderig portret van hebzucht en uitbundigheid.

Gefilmd met echte Benjamins (omdat, zoals Wu zich herinnerde, Scafaria dacht 'nepgeld zag er te raar uit') en met Usher die zichzelf speelt, is de scène evenzeer een jubelende fantasie van de overmaat van eind 00 als een ongegeneerde nostalgische trip, allemaal met soundtrack van Usher's' Love in This Club '. Het resultaat is een scène die er van geniet om meta te zijn, terwijl de klank van de dramatische ironie de kop opsteekt dat dit huis van Benjamins elk moment kan vallen. Zoals Scafaria vertelde Thrillistis de scène om vele redenen cruciaal. 'Ik denk dat we vóór de crash allemaal cultureel piekten. Ik denk dat de popcultuur ... een hoogtepunt bereikte. Iedereen leefde in overmaat. Het voelde alsof er geld uit de lucht regende en toen was het natuurlijk niet de volgende. '

De Samoaanse confrontatie in Hobbs & Shaw

Snel en woedend franchisefans weten wat ze kunnen verwachten met de komst van elke nieuwe film: grotere, betere en nog meer belachelijke actie dan de vorige. De Samaon krachtmeting van Fast and Furious Presents: Hobbs & Shaw heeft het spel echt opgevoerd en fanservice verleend aan degenen die al lang hebben genoten van de absurd bovenmenselijke vaardigheden van de macho-harde mannen van de film. Deze keer trok Luke Hobbs van Dwayne Johnson met zijn blote handen een helikopter naar beneden, wat een nieuw precedent schiep voor de uitzinnige etalages van de franchise van de franchise.

Maar het was ook veel groter dan alleen een waanzinnige buiging van hypermasculiniteit. Stel in Samoa met een enorme cast van Polynesische acteurs bij de hand om Idris Elba's genetisch verbeterde huursoldaat te verslaan, de scène maakte gebruik van een cultuur die zelden op het scherm wordt weergegeven voor een van de grootste decorstukken van de franchise. Scenarioschrijver Chris Morgan zelfs verwerkt verhalen uit de opvoeding van Johnson om de scène wat familiale authenticiteit te geven bij het ontwikkelen van een gegrond achtergrondverhaal voor Hobbs, met Johnson's neef (Joe Anoa''i, vooral bekend als de worstelaar Roman Reigns) ook in de hoofdrol. Johnson vertelde The Ringer, 'Het was een echte kans om een ​​van mijn eigen authentieke culturen aan de wereld te laten zien.'

Vervolgens vermengt de scène actie met een hoog octaangehalte met echte pathos en onderzoekt de al te herkenbare stress die kan optreden wanneer je een lang uitgestelde terugkeer naar huis maakt (om te ontdekken dat je moeder al je kostbare bezittingen heeft weggegooid, niet minder ). Maar met een hele reeks vuistslagen en explosies die gelukkig niet gebeuren in onze eigen thuiskomst.

Het verjaardagsbloedbad in Parasite

Bong Joon-Ho's sombere komische meesterwerk biedt een verschroeiende satire die de steeds groter wordende klasseverdelingen verkentParasiet biedt een aangrijpend en schokkend verhaal vol schrijnende en onverwachte wendingen. De film verkent het verhaal van een berooid gezin dat zich een weg baant om als individuen te werken voor een obsceen rijk gezin, en bouwt op tot een gruwelijke conclusie waarin de armen gedwongen worden om onderling te vechten voor zelfs de meest nederige en vreselijke stukjes. Elk thema dat Joon-Ho verkent, komt tijdens het verjaardagsfeestje in de slotact tot een schrijnend hoofd, waarbij een man die in de kelder van het huis van de rijke familie heeft gewoond, opkomt voor een gewelddadige wraakactie.

Het is een lawine van bloedvergieten die schijnbaar uit het niets komt en escaleert tot tragische doelen. Degenen die in dienstbaarheid leven en (letterlijk) onder deze rijke familie eindigen, staan ​​tegenover elkaar in plaats van de echte schurken te erkennen die hun strijd voortzetten - de rijke familie die zich niet bewust is van hun lijden. Voor een film die verrukt is van Joon-Ho's zelfbenoemde merk van 'ongebruikelijke humor', kondigt de onvoorspelbare, gruwelijke sequentie de kernboodschap van de film aan met een keelklank die direct leidt tot een sombere conclusie. Zoals de filmmaker vertelde Gier, 'Het is nogal wreed en verdrietig, maar ik dacht dat het echt en eerlijk was met het publiek.'