Welke Film Te Zien?
 

De meest stressvolle films die je nog steeds wilt bekijken

Door Patrick Phillips/9 maart 2018 14:41 EDT/Bijgewerkt: 20 maart 2020 17:39 EDT

Voor de meeste mensen is naar de film gaan een trefzekere vorm van stressvermindering - eentje die speciaal bedoeld is om ons voor een uur of twee af te leiden van de onrust in ons eigen leven. Natuurlijk kan die strategie af en toe averechts werken, omdat sommige films je simpelweg niet toestaan ​​om je hersenen uit te schakelen en zelfs maar één minuut de wereld uit te gaan.



Dit is niet altijd een slechte zaak. Sommige van onze favoriete films hebben zelfs genoten van hun intentie om ons hart, onze geest en inderdaad onze emotionele stabiliteit uit te dagen. Soms gebruiken ze wilde beesten om ons op de hielen te zitten; andere keren is het een monster uit de echte wereld of een verontrustend scenario dat ons op scherp zette. Hoe dan ook, sommige films weten gewoon hoe ze op spannende, onverwachte manieren op onze stressknoppen moeten drukken - en we zullen er uiteindelijk van houden. Dit zijn de meest stressvolle films die je nog steeds wilt zien.



Bug (2006)

Weet je nog dat William Friedkin een van de meest zenuwslopende films ooit regisseerde en dat het niemand leek te schelen? Het was 2006, de film heette Bug, en de kans is groot dat je er nog nooit van hebt gehoord. Dat is jammer, want dat is het niet alleen Bug een indringende, bijna foutloos uitgevoerde psychologische horrorfilm, met een van de beste uitvoeringen van Ashley Judd's carrière en een doorbraak van de grote Michael Shannon.

Nog steeds, Bug heeft in de afgelopen tien jaar vooral onder radar gevlogen sinds de release, vooral omdat het nauwelijks een feelgood-affaire is. Het grootste deel van de film speelt zich af in een groezelige hotelkamer en volgt een beschadigde vrouw die op het punt staat een nieuwe start te maken nadat ze een vriendelijke oorlogsdierenarts heeft ontmoet. Natuurlijk blijkt die dierenarts een diepgewortelde persoon te zijn, en wat volgt is een angstaanjagende afdaling naar een gedeelde waan, gedreven door paranoia en wanhoop - een die je bloeddruk zeker een punt of twee of tien zal verhogen.

Friedkin houdt de actie de hele tijd strak, waardoor de procedure extra stressvol wordt door expressionistische verlichting te gebruiken om stemmingen te verhogen, zijn sterren in invasieve, niet-vleiende close-ups te fotograferen en met een handvol body horror-scènes waardoor David Cronenberg ineenkrimpt. Bug is in wezen het filmische equivalent van een paar uur in een rauwe zenuw steken, maar het is de pijn zeker waard - en je wilt nog steeds kijken.



Zeven (1995)

Wanneer Zeven in de herfst van 1995 naar de theaters kwam, was de wereld gewoon niet klaar voor zijn gruwelijke moraal of de meedogenloos sombere verhaallijn die bij dat out-to-shock verhaal hoorde, en het was zeker niet bereid om dat verhaal als een spiegel voor zijn morele en maatschappelijke uitspattingen. Nee, de wereld was er niet klaar voor Zevenin 1995, maar verdomd als we ons nog steeds niet in troepen scharen om een ​​ommezwaai te maken door de symfonie van verdriet van David Fincher.

Dat is een beetje verrassend gezien Zeven opent op een duidelijk stugge toon en wordt alleen maar desolater, wanhopiger en vooral stressvol met elk schokkend moment dat volgt. Nog steeds,Zevenis zo zorgvuldig geconstrueerd, obsessief uitgevoerd en vakkundig gespeeld (de film is een hoogtepunt voor zowel Brad Pitt als Morgan Freeman) dat het - zelfs op zijn meest gruwelijke - bijna onmogelijk is om het niet allemaal te willen zien.

Of het komt door Zeven's obsessieve aard, omdat we allemaal vraatzuchtigen zijn voor straf, of omdat we eigenlijk gewoon naar een restaurant willen gaan en een kopje koffie willen drinken met Morgan Freeman, blijft Finchers onstuitbare fantasie over nutteloosheid een van de meest herschrijfbare films die ooit zijn gemaakt. Wat ook betekent dat we het punt misschien missen.



Funny Games (1997 of 2007)

Michael Haneke is een van die filmmakers die het leuk vindt om nieuwe manieren te vinden om het publiek op de paniekknop te laten drukken. De filmografie van Haneke screenen is als het afleggen van een psychologische stresstest waarbij je een elektrische schok krijgt als beloning en straf voor elke film die je hebt gezien. Simpel gezegd, om van Hanke's werk te houden, is om openlijk toe te geven dat je verslaafd bent geraakt aan de schok, en dat is het punt van de filmmaker.

Hoe je ook over Haneke denkt, de regisseur duwde ongetwijfeld zijn talent om ons te benadrukken tot het uiterste toen hij bracht Grappige spellen naar theaters. Het verwrongen verhaal van de film over twee gewelddadige, goed opgeleide sociopaten die een welvarende familie gijzelen en hen zonder aanwijsbare reden martelen, is genoeg om iedereen met een pols te laten zweten. Maar toch Grappige spellen ontvouwt, Haneke verhoogt het stressniveau door vaak te suggereren dat het publiek medeplichtig is aan het geweld omdat wij degenen zijn die het willen bekijken.

Elke aanklacht komt bijna als een uitdaging om de film uit te zetten. Of je het nu doet of niet, Haneke geniet er nog steeds van om kijkers te kastijden omdat ze er zelfs maar een seconde van getuige van zijn. Zozeer zelfs dat toen Haneke een Engelstalige remake begon te plannen, Haneke zelf aangemeld bij direct, schijnbaar duizelig bij de gedachte om opnieuw op deze tedere knoppen te drukken. Om duidelijk te zijn, Grappige spellen is net zo brutaal en meedogenloos in het Engels als in het Duits, en we weten nog steeds niet zeker waarom we ons zo gedwongen voelden om het in beide te zien.



Moeder! (2017)

Over regisseurs gesproken die graag op onze knoppen drukken, laten we een applaus hebben voor Mr. Darren Aronofsky! Die beschouwen zichzelf als vrome Aronofskyites verwachten van de visionaire filmmaker dat hij de grenzen van het verhaal, het intellect en vaak de moraal verlegt. Toch zit er niets inhet meeslepende oeuvre van de regisseur had het publiek kunnen voorbereiden op het grensbombardement dat Aronofsky's aanbod van 2017 was, moeder!

De film speelt zich af in een rustig, afgelegen landhuis en volgt een worstelende dichter (Javier Bardem) en zijn jonge vrouw (Jennifer Lawrence) terwijl ze proberen te schrijven en verbouwen. Dat vredige bestaan ​​wordt verstoord door de komst van onverwachte gasten - en als het eenmaal verstoord is, loopt het vrij snel uit de hand.



Begrijp dat met 'uit de hand', wat we eigenlijk bedoelen 'volledig gek is op manieren die geen rationeel mens ooit kan doorgronden'. Net zo moeder! stuwt zichzelf naar zijn schokkende maar onvermijdelijke finale, de momenten die ons daarheen leiden, komen met een constante, koortsachtige verhoging van de ante. Als zodanig kijken moeder! is een beslist stressvolle aangelegenheid. Het is ook een emotioneel uitputtende en dat heeft er misschien toe geleid de box-office problemen van de film.

Toch, als je naar beneden wilt gaanmoeder!'s niet zo bescheiden vuurplaats, zou je merken dat je misschien wel angstig verbinding maakt met dit diepgaande, inzichtelijke filmpje, ondanks zijn giftige, belastende onderwerp. Maar als je binnenkomt, ga in hemelsnaam niet op die gootsteen zitten, want het is echt nog niet geschoord.

Begraven (2010)

Gedurende een groot deel van zijn vroege carrière leek de gedachte om Ryan Reynolds serieus te nemen als acteur gewoon lachwekkend. Zelfs heeft hij geprobeerd recht te gaan met films als De Amityville Horror en Smokin 'Aces, het was moeilijk om het soort feckless doof te vergeten dat hij speelde in titels als Van Wilder. Dit alles wil zeggen dat de mening van veel filmbezoekers over Reynolds als acteur voor altijd is veranderd na het zien van zijn zenuwslopende 2010 micro-budgetthriller Begraven.

Wat is er zo speciaal aan? Begraven, je vraagt? Om te beginnen speelt de film zich af op één locatie, met één acteur op het scherm. De locatie is een doodskist die ergens in de Iraakse woestijn is begraven. Reynolds is de enige acteur - en ja, hij is begraven in de kist. Zo begint de paniekopwekkende actie van Begraven.

Hoewel paniekopwekkend misschien een understatement is. Als je claustrofobisch bent, blijf dan zitten Begraven lijkt veel op jezelf onderwerpen aan een angstaanval van 95 minuten. Als je niet bang bent voor besloten ruimtes, Begraven is nog steeds lijkt veel op jezelf onderwerpen aan een angstaanval van 95 minuten. Dat gezegd hebbende, als je genoeg durft om die claustrofobische terreur te doorstaan, word je beloond met een eersteklas thriller met een paar slimme wendingen, een verrassend inzichtelijk commentaar over de toestand van 'naoorlogs' Irak, en ja , een indrukwekkende dramatische voorstelling van Ryan Reynolds, die niet een keer grinnikt of zelfs maar een keer de derde muur breekt.

127 uur (2010)

Er is vaak een dunne lijn tussen niet genoeg en veel te veel in films. Hoewel de meeste films op deze lijst op de beste manier aan de kant staan ​​van teveel, hebben maar weinigen die grens verlegd tot127 uren. Gebaseerd op het ongelooflijke waargebeurde verhaal van een gepassioneerde bergbeklimmer die zijn eigen arm moet afsnijden nadat hij onder een rots is opgesloten, is de film een ​​aangrijpende studie over de onwankelbare levenswil van één man.

Ja, dat verhaal is net zo inspirerend als je zou denken, maar het is ook behoorlijk stressvol - zo niet ronduit gruwelijk - om naar te kijken. Wanneer het moment eindelijk komt om die opgesloten ledemaat te verbreken, gaat regisseur Danny Boyle niet weg van de bloedige, levensreddende act, maar omarmt hij het moment op een manier die het gevoel geeft dat hij het echte drama uitbuit, zonder tippen over naar uitbuiting.

Het is het soort scène dat ervoor zorgt dat je je ogen en oren wilt sluiten en je in een bal wilt oprollen totdat het voorbij is. Het is niet alleen stressvol, het is absoluut pijnlijk, maar zelfs als het gebeurt, zul je merken dat je de gruwelijke actie wilt zien ... omdat het grootste deel van de film (met een beste uitvoering uit James Franco) wordt besteed de man achter het verhaal. Omdat we echt om het leven geven dat aan die arm is bevestigd, wordt het moment meer een viering van het leven dan een studie in bloed, zelfs als het je geheugen maandenlang achtervolgt nadat je er getuige van bent geweest.

Onder de huid (2013)

Soms is het moeilijk precies vast te stellen wat het is over een film die je benadrukt. In het geval van Jonathan Glazer's Onder de huid, het is een stuk eenvoudiger om erachter te komen, omdat het antwoord letterlijk alles is. De fotografie, muziek, acteren, geluidsontwerp en montage van de film lijken allemaal specifiek ontworpen met het enige doel om kijkers scherp te houden voor de hele film, en dat is precies wat ze doen. Het resultaat is een uitdagende, diep verontrustende film die je niet zo vaak bekijkt als je ervaart.

Ja, het is vaak een behoorlijk stressvolle ervaring (het strandgezicht Bij Onder de huidhalverwege is zo emotioneel bestraffend dat het bijna fysiek pijnlijk is om door te zitten), maar het is ook een zeer boeiende. Onder de huid is zo nauwkeurig in zijn structurele kunstgrepen, tonale verschuivingen en verhalende ambitie dat de film kijkers virtueel hypnotiseert om de schuine duisternis binnen te gaan terwijl het complexe onderwerpen van identiteit, buitenaardse moraal en wat het betekent om mens te zijn onderzoekt.

Centraal in die verkenning staat de meest vreemde (en mogelijk sterkste) uitvoering van Scarlett Johansson's carrière. Hoe minder over die prestatie wordt gezegd, hoe beter. Weet dat gewoon, zoals Onder de huid zelf werkt het het beste als je zo min mogelijk weet dat je naar binnen gaat. Weet ook dat als je gestrest bent tijdens het ervaren Onder de huid, dat betekent gewoon dat het werkt.

Vijand (2013)

Onder de huid was niet de enige film uit 2013 die geobsedeerd was door vragen over identiteit en de menselijke conditie. Dubbelzijdige thriller van Denis Villeneuve Vijand betrad dat jaar eigenlijk in vergelijkbare existentieel diepe wateren - alleen Villeneuve nam een ​​duidelijk persoonlijkere benadering van het drama aan. Gebaseerd op een roman van de experimentele Portugese romanschrijver José Saramago, Vijand volgt de beproevingen van een gemiddelde man wiens middelmatige leven in beweging wordt gebracht wanneer hij zijn exacte dubbelganger in een film ziet.

Als die opstelling een beetje raar klinkt, nou, je moet weten dat Saramago alleen maar wordt opgewarmd. Wat volgt is een grimmige, stressvolle, scherp waargenomen studie van identiteit en modern isolement. Een die Jake Gyllenhaal in topvorm vindt en een dubbele rol speelt, en Denis Villeneuve begint de narratieve durf te plagen die zijn handelsmerk is geworden in de jaren daarna.

Voor zover Vijand's verhaal gaat, spinnen spelen een prominente rol, wat betekent dat er nogal wat spinachtige angst bij betrokken is om ernaar te kijken. De film staat ook vol met metaforische webben die Villeneuve, in plaats van te proberen te ontwarren, probeert te versterken en de kijkers verder het kleverige, dodelijke centrum in te trekken. Die tactiek blijft tot aan het laatste moment van de film in paniek. Als zodanig, Vijand is een van die zeldzame films die stressvol genoeg zijn om alleen maar te kijken, en nog meer nadat de credits zijn opgebruikt en je vastzit om erachter te komen wat er in hemelsnaam is gebeurd.

The Descent (2005)

Tegenwoordig wordt het moeilijker om een ​​geweldige horrorfilm te maken die mensen echt bang maakt. Wat maakt Neil Marshall's? De afdaling zo bijzonder is dat het niet alleen een geweldige horrorfilm is - het zijn er eigenlijk drie, en ze zullen je allemaal de stuipen op het lijf jagen. De film begint als een ontnuchterend psychologisch drama en verandert in een claustrofobische speleo-nachtmerrie voordat het een vol, bloed- en lef-wezen wordt.

Dat klinkt misschien alsof er iets teveel aan de hand is in de film, en voor de meeste films zou dat waarschijnlijk waar zijn. Niet zo De afdalingwel. Terwijl Marshall's verhaal van zes spannende zoekende vrienden zich ontvouwt op een gedoemde speleologie-expeditie, vindt de regisseur altijd het juiste moment om de inzet te verhogen en het verhaal te veranderen. Hij doet het zo vakkundig dat die uiteenlopende verhaallijnen naadloos overvloeien in een onwrikbaar brutaal verhaal dat het systeem schokt en je hart verplettert tot bloederige stukjes.

Degenen onder jullie die bang zijn voor donkere, afgesloten ruimtes, gevaarlijke emotionele verwikkelingen - en, eh, bloeddorstige, in de grot levende wezens - zullen ontdekken De afdaling de definitie van stressvol zijn. Als je je eigen leven echter aankan in de diepe, donkere uithoeken van zowel de aarde als het menselijk hart, zul je waarschijnlijk een horrorfilmparadijs vinden in De afdaling's pikzwart vagevuur.

Krisha (2016)

Als De afdaling voelt alsof het werkt met de heilige trilogie van horrorfilmverhalen, Trey Edward Shults leverde een even zenuwslopende trilogie voor zijn sobere psychologische thriller, Krisha. Gevestigd in het gezellige huishouden in de voorsteden van een enkelvoudig gebroken gezin, neemt de film van Shults een deel complexe familiale onrust op, voegt een vleugje openlijke vakantiegevechten toe en besprenkelt die mix met een flinke dosis verslavingsdrama om een ​​gitzwart, pikzwart te creëren filmische soufflé die door sommige critici werd geprezen als een 'filmische paniekaanval' bij vrijgave.

In het gesmolten centrum van die stressvolle soufflé is een show-stop van Krisha Fairchild, die het titulaire karakter portretteert met evenveel kwetsbaarheid en regelrechte dreiging. Net zo Krisha opent, haar verhaal ziet eruit als een verlossend verhaal van herstel en vergeving, maar naarmate de familie Thanksgiving-dag vordert, wordt het duidelijk dat sommige wonden langzaam genezen. De dag lost snel op in een parade van bijtende blikken en bijtende woorden, en terwijl dat het geval is, gaat de angst meedogenloos omhoog naar een potkoortsachtige koorts die je op de een of andere manier nog steeds wilt zien.

Als het eindelijk over is, laten we dan zeggen dat hun leven nooit meer hetzelfde zal zijn. De jouwe misschien ook niet. Krisha levert niet alleen dat label 'filmische paniekaanval' op, het veroorzaakt het soort angst dat je waarschijnlijk naar adem zal laten happen zodra de credits rollen. Op een goede manier.

The Texas Chainsaw Massacre (1974)

Af en toe kan een film niet zozeer stressvol zijn vanwege de inhoud, maar vanwege de manier waarop de inhoud wordt gepresenteerd. De Texas kettingzaag Bloedbad is onmiskenbaar verontrustend strikt op basis van de inhoud ervan - de film gaat over een familie van in het achterland lijkende kannibalen die tenslotte een groep nietsvermoedende tieners vangen, martelen en proberen te vermoorden / opeten, en het is een bloederig, brutaal stuk zaken , om zeker te zijn. Een die zelfs de meest trouwe horrorfans op het puntje van hun stoel zou hebben. Het is ook heel losjes gebaseerd op een waargebeurd verhaal.

Dat laatste stukje informatie is degene die zoveel mensen afschrikt als ze gaan zitten om het macabere meesterwerk van Tobe Hooper te bekijken, maar het is de manier waarop Hooper het bloedbad presenteert dat voor de meeste kijkers stressvol is. Op gruizige 16 mm-filmmateriaal geschoten en met voornamelijk niet-professionele acteurs, de gruwelijke actie in Het bloedbad in Texas Chainsaw voelt vaak meer als een documentaire dan als een grotesk werk van horrorfictie.

Dat hyperrealistische gevoel had een galvaniserend effect op het publiek toen de film van Hooper in 1974 in de bioscoop verscheen, en het blijft dat effect hebben op het publiek in de moderne tijd - toch willen we dit polariserende werk nog steeds bekijken, met veel erkenning Het bloedbad in Texas Chainsaw net zode grootste horrorfilm ooit gemaakt.

Zwaartekracht (2013)

Wat valt er nog te zeggen over Alfonso Cuarón's Oscar-winnend blanke knuckler dat is nog niet gezegd? Cuarón's stressvolle space-set thriller blaast alles in de eerste vijf minuten naar de hel en slaagt er op de een of andere manier in om de door paniek geteisterde intensiteit te behouden gedurende de 85 die volgen.

Zoals de astronaut gevangen in de chaos (Sandra Bullock in een Oscar-genomineerde beurt) de pure, voortstuwende energie die drijft Zwaartekracht laat geen seconde na om na te denken, of zelfs om te ademen. Liever, Zwaartekracht is een film waar je op visceraal niveau op moet reageren. En je reageert op een visceraal niveau, omdat Cuarón elk hulpmiddel in zijn filmische arsenaal (geluid, ruimte, muziek, effecten, bewerking, enz.) Gebruikt om je naar binnen te trekken en je het gevoel te geven dat je midden in de actie.

De crux van de film is dat je er ook emotioneel op reageert. Geef een vlijmscherp scenario weer van Cuarón en zijn broer Jonás die genoeg details in de astronaut van Bullock inbouwen om ons te laten zorgen of ze de weg naar huis vindt, en een even scherpe uitvoering van Bullock voor het invullen van de onvoltooide randen van het personage genoeg om haar het gevoel te geven authentiek. Die mix heeft geholpen Zwaartekracht een van de meest emotioneel vermoeiende en emotioneel lonende films die je ooit wilt zien.