Films die nagenoeg onberispelijk zijn
Filmmaken is een waanzinnig moeilijk proces. Er zijn zoveel mensen bij betrokken, elk met hun eigen creatieve visie, dat het moeilijk kan zijn om iedereen op dezelfde pagina te krijgen. Bovendien heb je te maken met problemen variërend van financiering tot planning tot ongevallen op de set.
Met alle herschrijvingen, testvertoningen en last-minute bewerkingen is het verbazingwekkend dat elke film überhaupt wordt gemaakt. Als gevolg hiervan zijn er veel films die slechts matig zijn. Maar zo nu en dan komt alles perfect uit. Zorg voor het juiste scenario met de juiste regisseur met de juiste cast en crew, en misschien krijg je wel een perfecte film. Deze films zijn zeldzaam, maar als ze langs komen, weet je meteen dat je een onberispelijke film hebt gevonden.
Mulholland Drive (2001)
Het surrealisme heeft in de loop der jaren verschillende filmische kampioenen gehad, van Luis Buñuel tot Alejandro Jodorowsky, maar de moderne meester van de beweging is David Lynch. De man heeft een echt talent voor het minen van het onderbewustzijn en het creëren van angstaanjagende nachtmerriebeelden. Er is bijvoorbeeldGummetjeen het derde seizoen vanTwin Peaks, maar als je Lynch op het toppunt van zijn geestverruimende krachten wilt zien, bekijk dan zijn magnum opus,Mulholland Drive.
De plot uitleggen is als het proberen een diepe en verontrustende droom te beschrijven. De film begint wanneer een onschuldige actrice genaamd Betty (Naomi Watts) in Hollywood aankomt in de hoop het groot te maken. Ze struikelt al snel in een vreemde plot met een mooie brunette (Laura Elena Harring) die lijdt aan geheugenverlies, maar als Roger Ebertwees eropin zijn oorspronkelijke recensie,Mulholland Drivesloten traditionele plot en in plaats daarvan 'werkt direct op de emoties, zoals muziek'. De grote meerderheid van de film is tenslotte een echte droom, en door het diep onderbewuste van een vrouw te werken, verkent Lynch de duistere machinaties van Hollywood en hoe vaak onze grootse doelen plaatsmaken voor wanhoop.
En terwijl je al deze droomlogica doorzoekt - wat is er met de blauwe sleutel en de blauwe doos? - Lynch houdt je aan het scherm gekluisterd met betoverende sequenties zoals het muzikale nummer van Club Silencio, Betty's adembenemende auditie en het griezelige moment waarop een arrogante regisseur (Justin Theroux) de engste cowboy ter wereld tegenkomt. En dan is er natuurlijk een van de engste scènes in de geschiedenis van Hollywood, een masterclass in spanning waarbij niet meer dan twee mannen in een diner betrokken zijn. Koppel dat allemaal aan de krachtpatser van een optreden van Naomi Watts, en het is geen wonder dat de BBC dit surrealistische meesterwerk degrootste film van de 21e eeuwdusver.
Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
Michel Gondry is een regisseur die bekend staat om zijn eigenzinnige en magische verbeeldingskracht. Charlie Kaufman is een scenarioschrijver die bekend staat om zijn pessimisme en waanzinnige originaliteit. Toen de twee in 2004 hun filmische krachten combineerden, creëerden ze een geweldige romance die dapper genoeg was om de lelijke kant van liefde en hoe relaties echt werken lang en diepgaand te bekijken.
Eeuwige zonneschijn van de vlekkeloze geest met Jim Carrey als Joel Barish, een eenzame, verlegen man die een extraverte vrouw genaamd Clementine (Kate Winslet) ontmoet. Nadat hun relatie een wending heeft genomen, ondergaat Clementine een proces om de herinneringen aan Joel uit haar hoofd te wissen. Gekwetst, Joel ondergaat dezelfde procedure, maar terwijl de technici zijn herinneringen aan Clementine uitwissen, verandert Joel van gedachten en besluit terug te vechten, wanhopig de herinneringen van zijn ex-vriendin wegstoppend in zijn onderbewustzijn.
Met behulp van een schokkend aantal praktische effecten, deze inventieve romance springt door de tijd en danst in en uit herinneringen, terwijl Joel de gelukkige en gruwelijke momenten van zijn relatie opnieuw beleeft, terwijl hij de oorzaak van het uiteenvallen ontdekt. Kaufmans slimme scifi-script won een Academy Award, en met Gondry aan het roer, Eeuwige zonneschijn van de vlekkeloze geest verkent dapper wat er gebeurt als de frisse, nieuwe glans een romance uitlokt en het paar blijft zitten met elkaars fouten en gebreken. De film negeert de pijn en valkuilen van het laten werken van een relatie niet, en door de verschillende stadia van romantiek te onderzoeken, is dit een film die verandert en groeit met elke kijkbeurt.
Shaun of the Dead (2004)
Meer dan 35 jaar daarnaNacht van de levende doden, Edgar Wright herleefde het zombiegenre met Shaun of the Dead, een romantische komedie met koningin, kannibalen en cricketpeddels. De film van Wright nam het dode genre en bracht het weer tot leven, waardoor het een komische draai kreeg. Natuurlijk bezuinigde hij ook niet op het bloed -Shaun of the Dead is de perfecte combinatie van lach, schrik en tranendrama.
Het verhaal volgt een slapper genaamd Shaun (Simon Pegg) die gedwongen wordt op te groeien wanneer de zombie-apocalyps neerstrijkt op zijn kleine Britse stadje. Met de hulp van zijn beste vriend Ed (Nick Frost) gaat Shaun op zoek naar het redden van zijn vrienden en familie, het redden van zijn relatie en het oplossen van langdurige problemen met zijn stiefvader. Dankzij het deskundige gebruik van bewerkingen en muziek door Wright, is de film gevuld met briljante komische accenten, van de record gooien strijd naar de 'Houd me nu niet tegen'krachtmeting. En met Pegg en Wright die het scenario schrijven, Shaun of the Dead is eigenlijk de blauwdruk voor het schrijven van de perfecte komedie. Luister daar gewoon naarNick Frost monoloog dat zet de rest van de film op. Het is brilliant.
Maar alle lach en geen gevoel zorgen voor een saaie film, en dat is waar Shaun of the Dead stijgt uit boven je typische horror-komedie. Natuurlijk, de personages zijn maf, maar ze zijn echt, dus als ze pijn en verdriet ervaren, laten we in de film met hen huilen. Het moment waarop Shaun zijn zombified moeder confronteert, is absoluut pijnlijk, en als je geen enkele tranen vergoot tijdens het laatste afscheid van Ed en Shaun, dan ben je misschien wel een van de ondoden. Hoewel het prachtig is bewerkt en strak is geschreven, Shaun of the Dead werkt zo goed omdat het een film is met heel veel hart.
The Grand Budapest Hotel (2014)
Achteraf lijkt het alsof de hele carrière van Wes Anderson aan het opbouwen wasHet Grand Budapest Hotel. Het was van hem hoogst scorende film, een van zijn meest geliefde films, en het was de eerste keer dat Anderson ooit een Oscar-nominatie voor regisseren. Dus wat zat er achter de populariteit van de film?
Het is de perfecte mix van alles wat Anderson te bieden heeft, van zijn nauwgezette wereldopbouw en geestige dialoog tot de melancholische sfeer die over al zijn films zweeft. Maar hier gaat hij nog een stap verder, met behulp van meerdere tijdlijnen en beeldverhoudingen om nostalgie, manieren en Europese geschiedenis te verkennen, terwijl hij een koord loopt tussen de onschuld van de oude wereld en het pessimisme na de Tweede Wereldoorlog. Het is een grillig verhaal met horror aan de horizon, waar onze helden nog een laatste gek avontuur beleven voordat de beleefde samenleving instort.
De plot heeft betrekking op een lobbyjongen genaamd Zero (Tony Revolori) die komt werken voor de flamboyante en vuile mond Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) in het Grand Budapest Hotel. Gelegen in de besneeuwde Europese heuvels, is het hotel een van Anderson's grootste creaties, met pastelkleuren en ingewikkelde kamers, allemaal perfect ontworpen voor deze fantasiewereld. Uiteindelijk worden Zero en Gustave meegezogen in een misdaad waarbij een dode gravin, een waardevol schilderij en een angstaanjagende gangster betrokken zijn, en terwijl de film naar voren raast, geeft Anderson ons macabere komedie, gestileerde actiescènes en enkele van de meest liefdevolle eigenzinnige personages van zijn carriere.
Serieus, waar anders ga je een stop-motion ski-achtervolging zien, een gevangenisstop met gebak en een geheim genootschap van kleurrijke conciërges? Met een briljante leadprestatie van Fiennes (zet deze man in meer komedies, alsjeblieft), Het Grand Budapest Hotel is een fantasievolle verademing in een wereld vol superheldenfilms met een groot budget. Het is het bewijs dat stijl en inhoud hand in hand kunnen gaan - of op zijn minst kunnen de twee de illusie ondersteunen met een prachtige gratie.
Geloofsbelijdenis (2015)
Veel mensen waren sceptisch toen ze hoorden dat er een nieuwe aflevering zou komen in de Rotsachtig franchise, maar toen de tweedejaarsfilm van Ryan Coogler in de bioscopen kwam, waren zowel critici als fans aangenaam verrast door de overweldigende kracht van de film. Het was niet alleen 'een goed vervolg'. Het was de beste inzending in de serie sinds het origineel uit 1976, en zoals de mensen bij Cinefix wees erop dat de zevende film in de franchise 'een Hollywood-inleiding was over het doorgeven van een fakkel'.
Met Michael B. Jordan als hoofdrol, Geloven richt zich op Adonis Creed, de zoon van wijlen de grote kampioen Apollo Creed. Adonis wil graag vechten en wanhopig om zichzelf te bewijzen, en hij wendt zich tot de legendarische Rocky Balboa (Sylvester Stallone) voor hulp. Terwijl Adonis zich een weg baant naar een titelopname, bouwt Ryan Coogler op spannende manieren voort op de franchise-mythologie. Hij zet bijvoorbeeld een nieuwe wending op de verplichte hardloopscène, waardoor het moment nieuwe kracht en emotionele punch krijgt. En dan is er het moment waarop Adonis de kampioen en de beroemde gaat bevechten Rotsachtig thema begint te spelen. Als filmcriticus Siddhant Adlakha wijst erop, het is 'misschien wel het meest verdiende bekende filmische moment en muzikale cue in de recente herinnering'.
Maar Coogler weet ook de franchise een nieuwe wending te geven met een spannend nieuw hoofdpersonage. Michael B. Jordan speelt hier zijn A-game en geeft ons een held die geen Rocky Balboa-kloon is, maar een protagonist met zijn eigen unieke doelen. En de film zit vol met zijn eigen unieke momenten, zoals de virtuoze eenmalige bokswedstrijd en het lef van een reeks waarin Adonis schaduwboxen tegen oude beelden van zijn vader.Geloven was een underdog-film die ieders verwachtingen tartte, en het kan standhouden met de grootste sequels aller tijden.
Mad Max: Fury Road (2015)
Het actiegenre is een van de puurste vormen van cinema. Natuurlijk kun je vechtscènes beschrijven in een boek en je kunt coole dingen doen op het podium, maar actiescènes en filmcamera's zijn voor elkaar gemaakt. In de afgelopen eeuw heeft het actiegenre ons een aantal werkelijk indrukwekkende films opgeleverd, van The Great Train Robbery (1903) tot Zwarte Panter (2018). Maar als je het genre wilt herleiden tot de adrenaline-doordrenkte essentie en een film wilt kijken die is gemaakt van nitro, benzine en kinetische energie, zoek dan niet verder dan Mad Max: Fury Road.
Geregisseerd door George Miller, Fury Road vindt Max Rockatansky (Tom Hardy) in samenwerking met Imperator Furiosa (Charlize Theron) om vijf seksslaven te redden van de lokale krijgsheer (Hugh Keays-Byrne) en zijn leger van Flamers, Polecats en Warboys. De ontsnappingspoging lanceert een enorme achtervolging door de woestijn, een die duurde meer dan 150 stuntmensen om te filmen. Er werden meer dan 300 opnames gemaakt, voornamelijk in de Namib-woestijn, en volgens Miller in de buurt 90 procent van de stunts die we zien zijn echt. Er rijden motorfietsen over vrachtwagens, mannen zwaaien heen en weer op gigantische palen, en in één scène scheuren 75 voertuigen over het zand, onder het oog van Miller en zijn stuntcoördinator Guy Norris.
Naast de explosies en autowrakken maakten Miller en cameraman John Seale een film die zo mooi is dat hij thuishoort in een kunstmuseum. Er is het griezelige beeld van het stuurwielschrijn, het hartverscheurende schot van Furiosa dat in het zand wegzakt, en het adembenemende moment waarop de armada in een zandstorm ploegt. De blauwe nachtsequenties zijn onbeschrijfelijk mooi en de wereldopbouw is, nou ja, niet van deze wereld. Miller creëerde een universum met omafietsers, Crow Fishers en tienerkrijgers die van Walhalla dromen. In het kort, Fury Road is misschien de perfecte actiefilm.
Manchester by the Sea (2016)
Sommige films zijn bedoeld om te entertainen, terwijl andere iets belangrijks te zeggen hebben. En dan zijn er films die ons kunnen helpen krachtige emoties te verwerken die we liever niet onder ogen zien, zoals verdriet. Filmmakers hebben het onderwerp in verschillende genres verkend, van fantasie (Welke dromen kunnen komen) en thriller (De uitnodiging) naar rechttoe rechtaan drama (In de slaapkamer). Maar als het gaat om pijn en verlies, Manchester by the Sea is misschien wel de meest pijnlijke van allemaal.
Geschreven en geregisseerd door Kenneth Lonergan, Manchester by the Sea vertelt het verhaal van Lee Chandler (Casey Affleck), een geïsoleerde en geïrriteerde conciërge die na de dood van zijn broer terugkeert naar zijn geboorteplaats. Maar naar huis gaan levert Lee veel problemen op. Hij is niet alleen geschokt als hij hoort dat hij nu de hoedster is van zijn tienerneefje (Lucas Hedges), maar Lee worstelt ook om het verleden op afstand te houden. We willen niet al te veel van de plot weggeven, maar er is een reden waarom naar huis gaan het laatste is wat Lee wil doen. Elke aanblik en elk geluid herinnert hem aan iets echt tragischs dat jaren geleden is gebeurd, een gebeurtenis die zo verschrikkelijk is dat hij misschien nooit meer zal herstellen.
Affleck won een Oscar voor zijn optreden hier, net als Lonergan voor Best Original Screenplay, en de twee verdienden echt hun kleine gouden beelden. Elk gebaar dat Affleck maakt, elke regel die hij maakt niet zeg, doet gewoon pijn van pijn. (En gigantische rekwisieten voor Hedges en Michelle Williams, die beiden genomineerd waren voor geweldige optredens.) En hoewel de film vol ongemakkelijke komische momenten zit - de humor hier is ondraaglijk donker -Manchester by the Sea worstelt met verdriet op een manier die de meeste films niet zouden durven. Het is een prachtig meedogenloze film over eeuwig leven met pijn, en de laatste 20 minuten zijn misschien wel de meest vernietigende 20 minuten die ooit zijn gefilmd.
Silence (2016)
Van Ingmar Bergman tot Darren Aronofsky, filmmakers hebben vaak nagedacht over twee belangrijke spirituele vragen: is er een god, en zo ja, wat wil hij? En hoewel Martin Scorsese vooral bekend is om zijn gangsterfilms, heeft hij veel tijd besteed aan het beantwoorden van deze vragen. In 1988 nam hij de evangeliën opnieuw onder de loep De laatste verzoeking van Christus, en bijna 30 jaar later keerde Scorsese met terug naar het christendom Stilte, een film over de geloofscrisis van een man wanneer het lijkt alsof hij door God is verlaten.
Het duurde rond 28 jaar voor Scorsese om mee te nemen Stilte naar het grote scherm, waardoor de film zelf een geloofsdaad voelt. De plot omvat twee jezuïetenpriesters (Andrew Garfield en Adam Driver) die Japan binnensluipen om een vermiste mentor (Liam Neeson) te vinden die naar verluidt afvalligheid heeft gepleegd. Wanneer de priester van Garfield door de Japanners wordt gevangengenomen, wordt hij gedwongen een moeilijke beslissing te nemen: herroepen en riskeren verdoemenis, of kijken hoe zijn medechristenen doodgemarteld worden. Maar als hij zich tot God wendt voor hulp, zijn er geen antwoorden, geen wonderen en voelt onze held alsof hij verpletterd wordt door Gods stilte.
Stilte is prachtig gemaakt door Rodrigo Prieto, die de schoonheid van Japan contrasteert met de wreedheid van gekruisigde mannen die verdrinken in de zee. De partituur van Kim Allen Kluge en Kathryn Kluge is schokkend in zijn eenvoud en vertrouwt op de geluiden van de natuur. En Garfield en Neeson zijn perfect als gemartelde priesters - wanneer ze elkaar ontmoeten, is hun strijd van trots en pijn alsof ze Acting 101 bijwonen. Maar uiteindelijk, zoals Richard Roeper schreef in zijn recensie, Stilteverkent de aard van geloof: hoe het zowel hoop als wreedheid kan inspireren, hoe het levens kan verscheuren en anderen de kracht kan geven om door te vechten, ondanks de twijfels.
The Witch (2016)
Een van de meest verontrustende horrorfilms uit de recente herinnering, De heks vertelt het verhaal van een Puriteinse familie die vecht voor hun leven - en tegen elkaar - wanneer een bovennatuurlijke kracht hun geïsoleerde boerderij aanvalt. Prachtig geschoten en ontworpen, De heks het voelt alsof het is gemaakt door een ervaren regisseur, maar dit was eigenlijk de allereerste film van Robert Eggers. Terwijl hij nog maar een groentje was, De heks is de definitie van een onberispelijke film, vooral als het erom gaat elk detail precies goed te krijgen.
Praten met BedradeEggers legde zijn unieke ideeën uit over het maken De heks. 'Alles in beeld', zei Eggers, 'moet zijn alsof ik mijn herinnering aan dit moment verwoord. Zo, dit was mijn jeugd als puritein, en ik herinner me die dag dat mijn vader me meenam naar een maïsveld en hoe hij rook. ' Dus hoe kun je zo'n 'herinnering' vastleggen? Door heel veel onderzoek te doen. Eggers heeft uitgegeven vier jaar het bestuderen van de puriteinse levensstijl en het lezen van verslagen uit de eerste hand van demonische bezetenheid. Hij leende zelfs de daadwerkelijke dialoog van veronderstelde bovennatuurlijke ontmoetingen. Praten met IndiewireEggers onthulde dat sommige van de regels 'de kinderen zeggen (in de film) wanneer ze bezeten zijn, dingen zijn die echte kinderen zouden hebben gezegd toen ze bezeten waren'.
Eggers raakte ook super betrokken bij sets en rekwisieten. De kostuums werden met de hand genaaid en het meubilair werd gebouwd zoals de Puriteinen dat vroeger deden. En hoewel hij fotografeerde in Canada, bracht Eggers een rietdekker uit Virginia binnen die gespecialiseerd was in 17e-eeuwse daken. Eggers wilde alles perfect, maar naast alle details slaagde de eerste regisseur erin om ongelooflijke uitvoeringen te krijgen van elk lid van zijn cast, inclusief jonge kinderen en een 210 pond geit. En als een film vee eng kan maken, dan weet je dat je een instant horrorklassieker in handen hebt.
Wegwezen (2017)
Films kunnen jou en je ervaringen vertegenwoordigen, of ze kunnen je in de schoenen van iemand anders plaatsen. En dan zijn er films zoals Eruitdat doen beide. Voor Afro-Amerikanen, Eruit werkt - zoals Jordan Peele beschreef het- als documentaire. Het is een fictieve versie van de verschrikkingen die zwarte mensen elke dag meemaken. Voor iedereen laat het zien hoe het echt is om een persoon van kleur te zijn die in een witte wereld leeft. Dat doet ook geen pijn Eruitheeft een geweldig script, scherpe regie en een Oscar-waardige hoofdrol van Daniel Kaluuya.
Het verhaal volgt een jonge zwarte fotograaf genaamd Chris (Kaluuya) die de familie van zijn blanke vriendin gaat ontmoeten. Vanaf het moment dat hij op hun landgoed verschijnt - verzorgd door zwarte bedienden - lijkt alles mis. Misschien zijn het gewoon de onverstandige grappen, rare looks en informele racistische gevoelens die hij van de ouders krijgt ... of misschien zijn er een paar serieuze Ira Levin-dingen achter de schermen. Dit is het regiedebuut van Peele, maar je zou het niet weten zoals hij de spanning ophaalt totdat alles explodeert in een bloederige puinhoop van jiu-jitsu, theekopjes en hertengewei. En het scenario van Peele is van topklasse, vol slimme aanrakingen (de rijke slechterik gebruikt een zilveren lepel; Chris ontsnapt aan zijn witte ontvoerders met katoen) en veel griezelige voorafschaduwing ('zwarte schimmel' in de kelder). Bovendien heeft het een van de beste horror-eindes van deze eeuw tot nu toe.
Natuurlijk, de film brengt de zaken in evenwicht met veel gelach, voornamelijk met dank aan Lil Rel Howery. Maar in de kern, Eruit is een angstaanjagende film die kijkt naar de echte gruwelen van de Amerikaanse samenleving. Dankzij Peele's meesterschap achter de camera en het vermogen van Kaluuya om ons zowel geaard als bezorgd te houden tijdens de waanzin, Eruit zal het publiek blijven schrikken zolang mensen vast komen te zitten in de Verzonken Plaats.
Kaken (1975)
In mindere handen, Kaken zou een vergeetbare monsterfilm zijn geworden in een zee van B-films. (Uitchecken Kaken 2, Kaken 3D, en Jaws: The Revenge als bewijs.) Maar meer dan 40 jaar later geeft het mensen nog steeds een pauze voordat ze in het water stappen. Dus wat stelt Kaken afgezien van je gewone slashers? Nou, het is de man die in de regisseursstoel zit: de enige echte Steven Spielberg.
Niemand doet spanning zoals Spielberg, en Kaken is een masterclass als het gaat om het creëren van spanning. Spielberg ging de Alfred Hitchcock-route en hield de monsterlijke vis zo lang mogelijk buiten beeld, spelend met onze angst voor het onbekende. Hij bouwt de angst op met behulp van POV-opnamen onder water en de score van John Williams om ons te laten weten dat de haai eraan komt. Terwijl sheriff Brody zenuwachtig het strand afzoekt, verhoogt Spielberg de spanning met rode haringen en briljante montage (door Verna Fields). Hij maakt onze maag koud door simpelweg een vat uit het water te laten springen. Zelfs Brody's bloederige boek en Quint's bloedstollende monoloog laten ons weten hoe erg het zal worden als onze helden in het water belanden.
Dus wanneer we eindelijk de haai in al zijn glorieuze, bootspringende glorie zien, is het podium klaar en is het publiek klaar. Zelfs als het monster er af en toe een beetje rubberachtig uitziet, hebben we gezien wat het kan doen. We zagen hoe die vrouw in de opening heen en weer werd gesleept en we zagen de Kintner-jongen door een onzichtbare kracht onder water worden getrokken. Dankzij de opstelling van Spielberg geloven we er volledig in dat deze 25-voetvis iedereen in Amity zou kunnen opeten, en hoewel Brody het uiteindelijk opblaast, zijn we nog steeds een beetje nerveus elke keer dat we gaan zwemmen.
Evil Dead II (1987)
Wat kwalificeert als een onberispelijke film? Moet het een serieus drama zijn? Of kan het een horrorkomedie zijn waarbij een kerel met zijn eigen hand ruzie krijgt? Terwijl sommige snobs neerkijken Evil Dead II, bereikt deze Sam Raimi-klassieker perfect wat hij van plan is te doen: je laten gillen en je dan aan het lachen maken.
Het vervolg op de cultklassieker uit 1981, Evil Dead II is een groovy goede tijd in de films. Bruce Campbell speelt de belegerde arbeidersheld Ash Williams en geeft een fantastische fysieke prestaties. De dingen die hij in deze film doet, brengen Campbell in gesprek met Charlie Chaplin en Buster Keaton - hij gooit zichzelf rond als een lappenpop terwijl hij doordrenkt wordt met bloed, en hij schreeuwt nooit een glimlach (behalve wanneer hij gek wordt). Het is vaudeville voor het moderne tijdperk.
De wezens waarmee Ash wordt geconfronteerd, zijn eigenlijk behoorlijk griezelig, van het bezeten hertenkop tot de opgeblazen Henrietta Knowby. Hoewel de monstereffecten een beetje verouderd lijken, voelen ze nog steeds tactiel en echt aan, en alleen al hun fysieke aanwezigheid geeft een gevoel van plezier en gevaar. En terwijl hij tegen de Deadites vecht, bevindt Ash zich in een reeks gedenkwaardige scènes, van zijn psychotische inzinking en de bloedgeiser tot het stoere moment waarop hij zijn legendarische kettingzaag krijgt. Snel, leuk en een beetje freaky, Evil Dead II laat zien hoe cultfilms die klassieke status kunnen bereiken.
Onvergeeflijk (1992)
Er is geen moderne acteur die meer geassocieerd wordt met de western dan de Man zonder naam zelf, Clint Eastwood. Maar in tegenstelling tot mede-westerse icoon John Wayne, gingen de films van Eastwood meer over het herzien van het genre en het nemen van oude tropen in nieuwe richtingen. En als het gaat om het ontmantelen van de mythen uit het Oude Westen, wordt het niet meer deconstructivistisch dan die van Eastwood niet vergeven.
Het verhaal volgt een gepensioneerde revolverheld genaamd William Munny (Eastwood) die dankzij zijn inmiddels overleden vrouw zogenaamd zijn manier van leven heeft veranderd en zich heeft gevestigd in een leven van het grootbrengen van kinderen en het houden van varkens. Maar wanneer zijn boerderij uit elkaar begint te vallen en er een kans op snel geld klopt, pakt Munny zijn wapens op voor een laatste rit. De oldtimer die weer in het zadel komt, is een klassiek western-filmplotapparaat, maar terwijl Munny de premie probeert te verzamelen van twee afvallige cowboys, gaat de film naar een aantal ongelooflijk donkere plaatsen.
Volgens Eastwood, niet vergeven gaat over de zinloosheid van geweld - weet je, wat we aan het einde van elke western willen zien. De moorden niet vergeven zijn smerig en pijnlijk. Mensen schreeuwen van pijn en angst. De moordenaars lopen verdoofd weg, voor altijd getraumatiseerd door de trekker over te halen. Het geweld is altijd lelijk, of het nu wordt opgediend door Munny of de meedogenloze sheriff van een kleine stad, gespeeld door Gene Hackman. Deze advocaat is niet beter dan de criminelen die hij op straat slaat. Van het eenzame openingsschot tot het donkere en regenachtige hoogtepunt, niet vergeven is niet bang om onze volkshelden in twijfel te trekken of zijn zinnen te richten op een heel genre (en trouwens een land) gebouwd op bloedvergieten.
Spider-Man 2 (2004)
Wanneer Spider-Man 2 zwaaide naar theaters, Roger Ebert prees het als 'de beste superheldenfilm sinds de lancering van het moderne genre Superman. ' Toegegeven, er zijn sinds 2004 veel superheldenfilms verschenen, maar de bewering van Ebert houdt nog steeds stand.
Geregisseerd door Sam Raimi, Spider-Man 2 is niet alleen de beste superheldenfilm ooit gemaakt. Het is ook een van de grootste sequels aller tijden, helemaal daarboven Het rijk slaat terug en The Godfather Part II. Maar in tegenstelling tot die grimmige films, Spider-Man 2 houdt de luchtige toon van de eerste film en tilt de emotionele inzet naar een nieuw niveau.
De film heeft een aantal ongelooflijke decorstukken, van de Evil Dead-geïnspireerde operatiescène naar Spidey's epische treinstrijd met Doc Ock. Maar waar Spider-Man 2 echt schittert maakt Peter Parker (Tobey Maguire) een echt herkenbare held. Hij worstelt om een gekke wetenschapper te bevechten terwijl zijn best doen om een vriendin te krijgen en een baan te behouden. Hij is te laat in het theater en vindt troost in chocoladetaart. Hij voelt echt geluk tijdens de briljante montage 'Raindrops Keep Falling on My Head', gevolgd door hartverscheurende spijt wanneer hij iemand niet redt door zijn verantwoordelijkheden te ontlopen.
In het kort, Spider-Man 2 gaat over meer dan alleen een held die tegen een slechterik vecht. Zoals Michael Curley bij PopMatters zet het in Spider-Man 2, het publiek zoekt niet alleen naar Peter om de slechterik te stoppen of de wereld te redden - ze willen dat hij gelukkig is, balans vindt, een superheld voor hem maakt. ' Het was de eerste superheldenfilm die ons een superheld gaf waarmee we echt contact konden maken, en het vormde de sjabloon voor de komende Marvel-films.
De moord op Jesse James door de lafaard Robert Ford (2007)
Geregisseerd door Andrew Dominik, De moord op Jesse James door de lafaard Robert Ford zweeft als een geest over de met sneeuw bedekte prairie. Het is een epische film die de tijd neemt. Er zijn er geen Wilde bos-gevechtsgevechten hier - gewoon een prachtig geschoten film die het verhaal vertelt van twee zeer onrustige mannen: een beroemdheid die worstelt met een psychische aandoening en een giftige fan die wil doden wat hij niet kan hebben.
Zowel Brad Pitt als James en Casey Affleck als Ford staan hier aan de top van hun spel. Pitt speelt de outlaw als een man die lijdt aan paranoia en depressie. Hij zinkt weg in de duisternis en in zijn lucide momenten denkt hij aan sterven. Maar dan zijn er momenten waarop Pitt's ogen wild worden en de waanzin begint te bewegen, en je bent te bang om zelfs maar te knipperen. Het zijn Oscar-waardige dingen, geëvenaard door Affleck als een vette, wezelige sycophant, een onzekere bloedzuiger die wanhopig beroemd wil worden. Natuurlijk, wanneer hij zich realiseert dat hij niet in staat is om de grote tijd te halen, besluit hij de Mark David Chapman-route te gaan.
Naast het acteren is de cinematografie van Roger Deakins absoluut prachtig. Hij heeft speciaal voor de film verschillende lenzen uitgevonden, waardoor we beelden kregen van filmcritici Scout Tafoya beschrijft als 'ergens tussen een bliktype en een olieverfschilderij'. De soundtrack van Nick Cave en Warren Ellis is spookachtig, net als de feitelijke vertelling van Hugh Ross, die ons eraan herinnert dat we op weg zijn naar iets vreselijks en voorbestemd. De moord op Jesse James zal nog jaren blijven hangen, net als de legende van de outlaw zelf.
Hot Fuzz (2007)
Geschreven door Edgar Wright en Simon Pegg,Druk gedoe is een film die elke keer dat je ernaar kijkt beter wordt. Het heeft tenslotte een van de strakste scenario's die ooit op papier zijn gezet. Als je meer wilt weten over de kunst van setups en uitbetalingen, dan moet je het opnieuw bezoeken Druk gedoe opnieuw en opnieuw.
Sommige van de vroege grappen komen op onverwachte manieren aan het einde terug. Een grappige regel over boerinnen die wapens inpakken, bijvoorbeeld, loont spectaculair wanneer de moeder van een boer de heldhaftige Sgt probeert te vernietigen. Angel (Pegg) met een jachtgeweer. De 'fascistische / hag'-routine komt prachtig terug in het laatste vuurgevecht, en de voortdurende verwijzingen naar Point Breakzette een hilarische maar hartverscheurende scène op met Nick Frost en zijn lieve oude vader.
Andere lijnen zijn eigenlijk een voorbode van een aantal behoorlijk serieuze plotwendingen. In de opening van de film vertelt Bill Nighy's zelfvoldane politiechef in Londen aan Sgt. Angel dat hij mensen kan laten verdwijnen omdat hij de hoofdinspecteur is. En wanneer Angel wordt overgebracht naar het slaperige stadje Sanford, wie laat er dan letterlijk onverlaten verdwijnen? Ja dat klopt. Het is de hoofdinspecteur van Jim Broadbent. En we krabben hier amper aan de oppervlakte - elke keer dat je de film bekijkt, vind je iets nieuws.
Maar naast het script, Druk gedoe doet meesterlijk werk door genres te jongleren. Als YouTube-filmcriticus Mikey Neumann wijst erop dat de film vier afzonderlijke genres uitzendt: komedie, horror, mysterie en actie. En het is niet alleen satirisch uw typische Michael Bay film, maar het is tegelijkertijd een legitiem geweldige actiefilm. Bovendien heeft het een hartverwarmende bromance tussen Pegg en Frost. Druk gedoe zijn Edgar Wright en Simon Pegg die op alle cilinders schieten, en het is moeilijk om een komedie te bedenken die kan worden vergeleken met zijn bloederige, Britse genialiteit.
Er zal bloed zijn (2007)
Daniel Day-Lewis is een van de grootste acteurs aller tijden, maar tijdens zijn optredens in Lincoln en Mijn linkervoet zijn geweldig, hij kan altijd herinnerd worden als hij tierde en raasde over milkshakes. Natuurlijk, Er zal bloed zijn is veel meer dan alleen een meme - het is een vernietigende tak van de Amerikaanse samenleving, prachtig opgenomen door Robert Elswit, en het is misschien wel de beste film in de respectabele filmografie van regisseur Paul Thomas Anderson.
Anderson is de man achter films als Boogie Nights en Fantoomdraad, maar geen van zijn andere films heeft het epische, meedogenloze bereik van Er zal bloed zijn, dat een kale woestenij vangt met onnoemelijke rijkdommen die onder de scheuren sijpelen. Om alles op te drinken is Daniel Plainview (Day-Lewis), een krachtige oliemagnaat met een haat tegen bijna iedereen die hij ontmoet. Hij is Amerika's kapitalistische id amok, en het enige dat hem onder controle houdt, is de slordige dominee Eli Sunday (Paul Dano), de duistere kant van het eerste amendement. Terwijl de twee strijden om de controle over olie, verliest Plainview beetje bij beetje zijn menselijkheid, totdat er niets meer over is dan een boze oude man met een bowlingpin.
Day-Lewis speelt voor het grootste deel Plainview met een broeierige intensiteit. Er gebeurt veel achter die ogen - berekeningen en concurrentie. Maar wanneer hij explodeert, is het een vuur dat ongeëvenaard is door elke uitvoering in de recente herinnering. Wat Anderson betreft, hij legt meeslepende beeldscène vast na een ongelooflijke scène, zoals de woordeloze openingsscène en de brandende boortoren midden in de nacht, en dat alles vergezeld van de buitenaardse score van Jonny Greenwod. Het is moeilijk om een andere Amerikaanse film te bedenken die zo de donkere kant van Amerika's hebzucht weergeeft, en als je het zou willen vergelijken Er zal bloed zijn naar Citizen Kane, we zouden zeker niet klagen.
John Wick (2014)
Met Keanu Reeves in de titulaire rol, John Wick speelt zich af in een moorddadige schaduwwereld, een geheim genootschap vol gouden munten en mysterieuze regels. Er is een stijlvol hotel bevolkt door debonair boeven en sexy huurmoordenaars, en als filmcriticus Priscilla-pagina schrijft, worden de beelden overspoeld met 'het palet van Mario Bavo, van Dario Argento'. De film speelt zich bijna volledig 's nachts af en is rijk aan donkerrood, blauw en groen. Het is precies het soort plek waar je zou verwachten dat een in pak dragende boeman een groep Russische misdadigers zou bevechten - en ze met het grootste gemak zou bevechten.
Reeves maakte geen grapjes toen hij zich aanmeldde John Wick. De acteur trainde vijf dagen per week, acht uur per dag, voor vier lange maanden. Hij leerde omgaan met vuurwapens, het gebruik van jiu-jitsu-ruimen en het besturen van een auto als een ster uit de jaren 70. Wanneer de gevechten beginnen, is er geen slimme bewerking om Reeves 'dubbelganger te verbergen, want dat is eigenlijk Keanu die al die slechteriken verslaat. De gun-fu hier is een lust voor het oog, en aangezien de film werd geregisseerd door twee stuntmannen (Chad Stahelski en David Leitch), zou het geen verrassing moeten zijn dat de choreografie uitstekend is.
Maar onder de oppervlakte op de loer ligt een verhaal van een man in rouw. John Wick is een weduwnaar wiens geliefde hond een geschenk was van zijn overleden vrouw, dus wanneer een paar hete koppige gangsters zijn pup vermoorden, nemen ze meer dan alleen zijn huisdier weg (hoewel dat al erg genoeg is) - ze doden zijn ' gelegenheid om alleen te rouwen. ' Zo John Wick is veel meer dan een film over een man die zoveel mogelijk mensen vermoordt. Het gaat over een man die het hoofd wil bieden en hoopt zijn verdriet en woede te uiten ... door zoveel mogelijk mensen te vermoorden.
Guardians of the Galaxy Vol. 2 (2017)
In slechts 10 jaar veranderde het Marvel Cinematic Universe het Hollywood-landschap volledig. Maar met zoveel inzendingen in zo'n veelgeprezen franchise, wat is de beste van het stel? Dat is een moeilijke beslissing, maar als je emotionele impact hebt, moet je kiezen Guardians of the Galaxy Vol. 2. Geregisseerd door James Gunn, volgt dit vervolg uit 2017 de verdere avonturen van onze ragtag-helden terwijl ze een levende planeet tegenkomen met een heel groot ego. Vol. 2 heeft een aantal onvergetelijke decorstukken, van de 'Mr. Blue Sky 'opening voor de glorieus gewelddadige' Come a Little Bit Closer 'gevangenispauze. Maar echt, Vol. 2 gaat over meer dan magische pijlen en ambulante batterijen. (Excuseer ons ... anulax-batterijen.)
In de kern gaat het echt om familiedrama en het vinden van vergeving. En hoewel de meeste MCU-films vergelijkbare problemen behandelen, Guardians of the Galaxy Vol. 2graaft diep in hoe het is om misbruik te overleven. Bijna elk personage in de film is diep getekend: Star-Lord wordt gemanipuleerd door zijn biologische vader; Rocket Raccoon werd verminkt door wetenschappers; Gamora en Nebula werden gemarteld door hun Mad Titan of a dad. Zelfs Yondu - die een rotte ouder was van Peter Quill - wordt achtervolgd door zijn eigen duistere verleden.
Elk personage behandelt zijn trauma op zijn eigen manier, van elkaar aanzetten tot vrienden wegduwen. Deze personages zijn gebroken en doen mensen pijn, elk een soort overlevende. Maar uiteindelijk Vol. 2 is een film over deze gebroken, gekwetste mensen die beginnen te bewegen en volwassen worden, al is het maar in kleine stapjes. Ze worstelen nog steeds met pijn, maar ze leren wanneer ze moeten vergeven en wanneer ze weg moeten lopen van een destructieve relatie (of er met laserguns vandoor gaan), wat ons een van de meest complexe blockbusters geeft in een genre dat vaak de nadruk legt op actie boven emoties.
Je was nooit echt hier (2018)
Je was hier nooit echt is 's werelds beste anti-actiefilm. Het heeft alle attributen van je typische thriller - een gestoorde oorlogsveteraan krijgt een hamer en slaat een stel slechteriken dood - maar het verhaal is verre van vertrouwd. Kun je nog een actiefilm bedenken waarin de held een slechterik neerschiet, maar in plaats van hem op een vervelende manier af te maken, op de grond gaat liggen en met het slachtoffer zingt tot hij sterft?
Ja, waarschijnlijk niet.
Geregisseerd door Lynne Ramsay, Je was hier nooit echt volgt een man genaamd Joe (Joaquin Phoenix), een huurmoordenaar die meisjes redt van sekshandelaren. Uiteindelijk neemt Joe de verkeerde baan aan en raakt hij betrokken bij een oprechte samenzwering, maar wat zo indrukwekkend is, is de manier waarop Ramsay en Phoenix elke verwachting die door zoveel films eerder is gewekt, ondermijnt. In de meeste actiefilms staat de held bijvoorbeeld tegenover de slechterik en stuurt hem naar het koninkrijk. Hoewel we het niet willen bederven, zullen we zeggen dat Joe zijn grote, louterende moment niet krijgt. De film gaat ergens vreemder en veel verontrustender, maar uiteindelijk hoopvol.
Phoenix bevindt zich hier op een ander niveau. Verborgen achter een onverzorgde baard is hij een vermoeide man die goed is in het kwetsen van mensen, vooral zichzelf. Maar als hij zichzelf niet verslikt of perverselingen slaat, zorgt hij voor zijn bejaarde moeder, maakt grapjes met haar en zorgt ervoor dat haar koelkast altijd gevuld is. Joe spreekt nauwelijks een woord, maar Phoenix verkoopt het allemaal met een mompel, een blik en de flits van een balhamer. Wat Ramsay betreft, ze imponeerde critici door het horrorgenre te ondermijnen We moeten over Kevin praten, en ze is net zo bedreven in de actiethriller. Het laat alleen maar zien dat wanneer je een genre opent voor nieuwe filmmakers met nieuwe perspectieven, je een verhaal krijgt dat naar plaatsen gaat die je nooit zou verwachten.